Ознакомьтесь с нашей политикой обработки персональных данных
  • ↓
  • ↑
  • ⇑
 
Записи с темой: on se cultive! (список заголовков)
09:20 

09:10 

"Магнолия" Исмаеля Гонсалеса де ла Серна.

Посмотреть

Исмаель Гонсалес де ла Серна - испанский живописец, график, иллюстратор, работавший в жанрах импрессионизма, кубизма, сюрреализма, экспрессионизма и абстракционизма и уделявший основное внимание не теме работы, а технике исполнения.



Ismael Gonzålez de la Serna was born in 1898 in Granada, Spain. He began painting and drawing when he was nine years old. While in school, he became friends with Federico Garcia Lorca, later to become a famous poet. Indeed, it was de la serna who in 1918 illustrated Garcia Lorca's first book, Impresiones y Paisajes.

De la Serna pursued his studies at the Academy of Fine Arts in Granada, where he learned the traditional rules of composition, form, and color. A turning point came in his life in 1917, when he viewed an exhibition of French Impressionists in Madrid. By his own testimony, thereafter he was determined to be a “free” painter, devoted to new forms.

In 1915, at age seventeen, he exhibited for the first time in Granada. A few years later, upon his second exhibition, the art critic Manuel Robles wrote: “There is no doubt that de la Serna knows color and his spirit penetrates the essence and line of his work.” Nonetheless, Robles hoped that de la Serna would abandon the spirit of Modernism.”

The Spanish artistic community, unlike that in neighboring France, was resistant to the innovations of Post-impressionism. Granada in particular imposed intolerable limits on such an “extraordinary soul” as de la Serna's, as it was described by Lorca.

De la Serna, impassioned in his pursuit of his vocation and life's work, and yearning for a stimulating cultural environment, moved to Paris in 1921, where his compatriot, Picasso, had been an international figure in the cubist movement for more than a decade. He was introduced to Picasso by the writer, critic, and art collector known as Tériade. According to Tériade, Picasso, upon seeing de la Serna's work, exclaimed: “At last, a true painter! As grand as Juan Gris!”

The year 1927 was one of remarkable success for de la Serna. Tériade devoted an article on him in issues of the art review, Cahiers d'Art, which simultaneously covered the works of luminaries such as Renoir and Picasso. Tériade wrote that de la Serna was the painter “we had all been waiting for.” That is, his poetic sensibility lent in certain unity to his work and deftly combined a vigor of expression with a delicacy of form.

Paul Guillaume then organized an exhibition of fifty of de la Serna's works to wide acclaim. An individual exhibition at the Gallery Flechtheim in Berlin was equally successful, all of the works found buyers. The gallery even signed de la Serna to a contract, which remained in effect until 1933, when Hitler's rise to power forced its revocation.

The Nazi rise to power definitely had unfortunate consequences. It is thought that those works of de la Serna's still residing in Germany, including many of his most vulnerable paintings, were destroyed by the Nazi regime.

Luckily, de la Serna had been warmly received throughout Europe. In 1928, he signed contracts to exhibit his works at the Galerie Zak in Paris and at the Galerie Le Centaure in Brussels. Christian Zervos wrote enthusiastically in Cahiers d'Art that de la Serna's incredible skill at drawing allowed him to make abstractions of reality.

While a number of his works certainly echo the influence of Picasso and Braque, such influence was mirrored within a Cubism of his own making. In the instinctive equilibrium of his work, the blend of exuberance and sober expression, the use of color, and the strength of the lines, de la Serna reminded Zervos of Zurburan, El Greco, and Cézanne.

Indeed, to Zervos, Cubism brought out either a deep expressiveness due to the distortion of the central object or figure represented, or resulted in an abstract painting composed of forms independent of the exterior reality. In any case, representation of both possibilities was typical of de la Serna's work. The artist easily balanced and reconciled the extremes of both representation and abstraction. Although a traditional Cubist subject, Nature Mort de la Guitare is a strong example of de la Serna's Cubist technique of the late 1920's.

In 1930, the Galerie Zak devoted an entire exhibition to de la Serna;s works. The National Gallery of Berlin,and the museum of Mannheim both acquired paintings of his. In 1932, he returned triumphantly to Spain, where he toured with successful exhibitions throughout his homeland. In 1936, he took part in an exhibition at the Musée du Jeu de Paume in Paris. During this time, he rarely participated in public showings of his work. After the Second World War, he released works he had painted secretly which honored the Resistance and decried the atrocities of war.

De la Serna continued to work throughout the 1940's and 1950's. His style evolved into pure combinations of color and form. His paintings continued to be shown in France, Germany, Spain, and Mexico. In 1963, he was invited to participate in an exhibition of French paintings at the Tate Gallery in London and in an exhibition at the Hammer Gallery in New York.

In 1974, the Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris organized a retrospective of nearly one hundred of de la Serna's paintings from throughout his career. The retrospective tracked the artist's diversity of subjects and the technical scope of his talent. De la Serna died in Paris in 1968. His personal contributions to the language of art endure.

c

Обложка первого издания "Впечатлений и пейзажей" Лорки с иллюстрациями де ла Серна и несколько его работ.
читать дальше

@темы: on se cultive!

17:28 

Некоторые, а точнее, многие картины из Пушкинского зацепили настолько, что хочется узнать о них и создавших их художниках поподробнее. И раз уж сегодня день рождения Камиля Коро - он родился в 1796 году, - то начну с него и его "Купания Дианы", которое необычно своей композицией. Фигура купающейся Дианы расположена не в центре полотна, а в нижней его части, то есть ей уделено столько же внимания, сколько и темному лесу позади нее.

Припасть

Из книги "50 шедевров мировой живописи" изд. ЭКСМО: Коро написал "Купание Дианы" в 1873-1874 году, когда ему было 75 лет, это одна из последних его работ. В основе сюжета - древнегреческий миф о богине Диане. Входя в воду, чтобы искупаться, она замечает отражение охотника Актеона. Возмущенная тем, что простой смертный увидел ее обнаженной, она превращает его в оленя, которого тут же разрывают собаки.

В качестве модели Коро пригласил Эмму Добиньи, дочку художника Шарля Добиньи и друга Коро. Ее портрет написал Дега в 1869 году. Посмотреть

Фигура девушки выполнена в духе классицизма и напоминает античную статую с совершенными формами и в традиционной позе, подчеркивающей красоту сложения. Пейзаж написан в одном режиме освещения, а Диана – в другом, она освящена светом совсем от другого источника или даже светится сама. Ее фигура не в полной мере соединяется с фоном, она как будто “вставлена” в пейзаж. Коро был мастером создания воздушной дымки, окутывающей фигуры людей, деревья и другие предметы, изображенные на его картинах, и здесь эта дымка явно видна.

@темы: отзывы, on se cultive!

12:58 

О выставках

В Пушкинском сейчас проходит еще одна интереснейшая выставка, "Вокруг Мункачи". Михай Мункачи - венгерский художник-реалист второй половины 19 века и, по словам художественного критика В.Стасова, один из самых «неукротимых реалистов в Европе». В экспозиции Пушкинского представлены более 50 картин: работы художника из собрания Венгерской национальной галереи и коллекции Имре Пакха.

Выставка потрясающая и действительно неукротимая. Цвета на картинах необычно мягкие, насыщенные, густые. Свет, свежесть и прозрачность как после грозы льются с холстов, даря желание вдохнуть побольше чистого воздуха, которого так много и который почти осязаем на любой из картин Мункачи.

Насладиться

Успеть нужно обязательно до 23 августа! Выставка проходит не в главном здании, а в Галерее искусства стран Америки и Европы. Народу не так много, как на Брейгелях.

@темы: отзывы, on se cultive!

11:42 

"Ne me quitte pas"

Лучшая песня о любви - "Ne me quitte pas" Жака Бреля. Перепетая многими, лучше всего - гениальной Ниной Симон. Только она может спеть строки "Moi je t'offrirai Des perles de pluie Venues de pays Où il ne pleut pas" до слез пронзительно. Вся песня душераздирающа до мурашек.

Лучшую песню о любви Брель написал после раставания со своей любовницей, но, по его словам, это песня вовсе не о любви, а о мужской трусости и безмерном принижении себя в надежде вернуть любимую. Этакое издевательство над чувствами брошенного и жалкого человека, который еще цепляется за эфемерную надежду вернуть все как было. Песня-обманка, шутка.

Смешно, правда?

@темы: on se cultive!, музыка

11:00 

О выставках

Вчера наконец добралась до Пушкинского и с удовольствием там пошлялась (чувствуя себя Тео Декером). Главное, ради чего нужно успеть его посетить до августа - выставка "Младшие Брейгели", составленная из 29 превосходных картин из собрания Константина Мауергауза, и разобраться наконец в этой, наверное, самой многочисленной и поразительной художественной династии.

Брейгели - это 16-17 век, Нидерланды, жанровая (бытовая) живопсь. Родоначальником является Питер Брейгель Старший по прозвищу Мужицкий (т.к. его картины даже на мотивы из Священного Писания носят на себе жанровый отпечаток). Оба его сына, Питер Брейгель Младший Адский (прозван так за то, что в юности копировал произведения отца с изображением ада), и Ян Брейгель Старший Бархатный ( потому что очень изящна, "бархатиста" была его живопись), а также внук, Ян Брейгель Младший, и правнук, Ян ван Кессель Старший, также были художниками. И это если не считать многочисленных других родственников и отпрысков, тоже живописцев, но менее известных!

Так вот, картины всех Брейгелей, кроме Питера Б.Старшего, можно в Пушкинском увидеть. Питер Б.Младший, как и отец, писал больше философские, религиозные и морализаторские сюжетов, оба Яна ушли от серьезных тем к кабинетной живописи и натюрмортам. Вот что можно вживую увидеть в Пушкинском:

Припасть

Заполировать выставку можно постоянной экспозицией музея, в которой имеется несколько произведений Питера Б.Младшего, например, мой любимый "Пейзаж с конькобежцами и ловушкой для птиц" (насквозь символичный) полюбоваться, а также "Царством Флоры" Никола Пуссена из Галереи старых мастеров в Дрездене, которая, хоть немного не в тему, также символична и почему бы не посмотреть, раз уж заскочили в музей?

"Расшифровка" картины

@темы: отзывы, on se cultive!

Кофе с корицей

главная